Plusieurs piliers solides soutiennent l’art de rafaël GORSEN. Un pilier essentiel, probablement le plus riche de tous les intérêts, est sa réceptivité à une multitude d’impressions et d’expériences, émotionnelles et intellectuelles, qui s’imposent souvent à lui, mais qui sont issues de sa propre recherche. Ils s’enracinent et s’épanouissent à partir de ses lectures, de la musique qu’il joue, de l’œuvre plastique de ses collègues artistes. Ils sont le fruit de relations étroites et de rencontres éphémères.

Sa capacité d’empathie est inhabituellement grande. Il est le seul à comprendre l’art de ramper dans la peau de quelqu’un d’autre. Comme Kano Motonubu, un maître japonais de Kyoto et contemporain de Buonarotti Michelangelo, il n’a pas à se promener comme une grue pendant des semaines, soir après soir, en paradant pour se préparer à peindre une grue. Cette empathie, en plus de sa réceptivité, est le deuxième pilier de l’art de rafaël GORSEN.

Son empathie s’étend à tous les gens . L’homme en tant que victime, mais aussi en tant que héros. L’homme en perdant, mais aussi en triomphant. L’homme comme un raté ou comme un clown. L’homme comme un penseur, comme un poseur, comme un dément, comme un fou. L’homme comme un guérisseur, comme un homme crucifié, comme un homme ressuscité.

La réceptivité et l’empathie ne sont pas encore une forme d’art. Quelle que soit l’intensité émotionnelle de l’acquisition d’impressions et d’expériences, l’art ne naît habituellement que lorsqu’il y a un besoin de communiquer des impressions et des émotions aux autres, de les communiquer aux autres.

L’artiste n’est que celui qui a le feeling nécessaire pour les moyens à sa disposition, qui a le savoir-faire nécessaire, la perspicacité nécessaire, la compétence nécessaire pour réaliser ses intentions. La  » capacité  » est le troisième pilier de l’art de rafaël GORSEN.

Socrate a peut-être déjà des doutes – il y a environ vingt-cinq siècles, si son délicat Xanthippe est allé au théâtre pour regarder ou pour être regardé ; pour la grande majorité des artistes, sinon pour tous, il est extrêmement important que leur travail soit vu efficacement.

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Cependant son art religieux est né de son empathie plutôt que de la nécessité d’afficher une conviction pieuse, ou d’illustrer des scènes bibliques. Quoi que l’on puisse penser du christianisme, l’homme fouetté, la tête couronnée d’épines, ce Christ innocent cloué sur la croix et mort, est considéré par beaucoup comme un archétype. GORSEN a dépeint la souffrance dans la figure du Christ, dans des séries qui ont marqué les esprits, car c’est de la souffrance de l’homme à laquelle, il a longtemps fait référence.

Cette douleur profonde, cette colère impuissante qui a été générée et entretenue sont de grandes séries de dessins au fusain et de tableaux d’art, qui sont si importantes pour l’artiste. La série sur la lèpre a été exposée en 1993 ; sa sympathie et son intérêt pour la figure de Damien se sont manifestés en 1995 lors de la remise de la collection au pape lors de la béatification du tableau « Père Damien ».

Une partie non négligeable des dessins de rafaël GORSEN s’articule autour de thèmes religieux ; il était donc prévisible que l’on puisse le qualifier d’artiste religieux. A juste titre, si l’on considère chaque dessinateur, peintre, sculpteur, vitrier…. comme ayant réalisé une représentation religieuse, l’appelle ainsi ; à tort lorsqu’on utilise ce terme pour suggérer qu’il s’agit d’un type particulier d’artiste.

Toute personne qui peint principalement – et parfois aussi bien – des animaux est appelée peintre animalier sans aucune restriction. Les peintres de portraits, de pièces de genre, de marines, de nus sont appelés portraitistes, peintres de genre, peintres de marine ou peintres de nus. Le terme peintre religieux semble plus neutre, plus chargé que peintre de thèmes religieux. Ce n’est que pour des raisons pratiques que le terme artiste religieux est utilisé dans cette histoire, mais pour chaque artiste qui s’intéresse aux thèmes religieux, ll est évident, quoi que certains puissent insinuer, que pour un artiste religieux, la foi n’est pas une exigence. L’architecte franco-suisse Le Corbusier se disait athée ; la petite église qu’il a construite à Ronchamp dans les années 1950, Notre Dame du Haut, est considérée par beaucoup comme l’espace le plus sacré du XXe siècle.

Un artiste religieux ne doit pas être un membre convaincu, franc et docile d’une communauté religieuse.

L’empathie et l’intérêt pour le thème, qu’il soit ou non lié à une commande, sont les conditions les plus importantes, sinon les seules, de la création d’un art religieux authentique. Ce sont les conditions auxquelles chaque artiste peut répondre dans une large mesure, si ce n’est pleinement, en faisant son propre choix. Le Corbusier l’a exprimé de façon plus frappante que quiconque lorsqu’il a parlé de son église à Ronchamp : l’architecte voulait créer un lieu de silence, de paix et de joie intérieure.

La série d’exemples est infinie. Dans la cathédrale de Reims, non loin, se trouvent des vitraux de Marc Chagall, un immense vitrail qui raconte l’histoire du champagne. Des images tacites et kitsch du Sacré-Cœur, de Notre-Dame de Lourdes…. Se trouvent dans presque toutes les églises.

Certaines des grandes œuvres religieuses de rafaël GORSEN ont fait leur chemin dans les lieux de culte. Tout d’abord « la Résurrection », un très grand tableau, 264 cm sur 34,2 cm ; seuls les triptyques de l’artiste belge contemporain sont parfois plus grands. Dans une partie de l’ancien cloître de l’église Saint-Pauluskerk à Anvers, une chapelle d’une semaine a été construite ; c’est là, que  ce tableau est suspendu au-dessus de l’autel. La figure du Christ, flanquée de deux autres personnages, s’élève de l’obscurité de la partie inférieure du tableau, à la lumière. Pour cette réalisation, l’artiste peintre anversois, a utilisé une gamme sobre de couleurs : jaune et ocre.

La chapelle de la prison de Merksplas montre fièrement le triptyque :  » Laissez venir à moi les petits enfants ». A Oudenbosch, dans l’église Sainte-Agathe et Sainte-Barbe, on y trouve l’huile sur toile : »Dieu le Père ». L’église aurait été construite à l’exemple de la basilique Saint-Pierre à Rome, bien sûr les dimensions ont été ajustées. Le tableau se trouve dans l’une des niches du chœur.

« La Cène », un grand triptyque, a été acquise par la cathédrale Notre-Dame d’Anvers. L’intention était de donner une place définitive à cette œuvre magnifique dans la cathédrale dès que les chapelles auraient été achevées. Le panneau central montre le Christ avec deux apôtres. Les figures sautent d’un fond de couleurs plus foncées vers l’avant.

Les églises plus anciennes considèrent trop souvent leur collection d’art – parfois très précieuse – comme une collection fermée de musée d’art ancien. On ne peut que se réjouir qu’une bonne œuvre contemporaine soit ici confrontée à l’ancien.

rafaël GORSEN a dessiné un premier Chemin de Croix, en a peint un deuxième et en a dessiné un troisième. Chaque Chemin de Croix est devenu une série importante. Le Chemin de Croix n’est pas un édifice culte. Le Chemin de Croix peint appartient au diocèse de Liruges et se trouve au musée d’art religieux d’Ostende.

Le Chemin de Croix peint, qui est généralement considéré comme une série, est exceptionnel dans son interprétation. On ne tremble pas devant les tortures infligées . Le peintre moderne belge a bien compris, que, suggérer peut- être infiniment plus important, plus intrusif que montrer explicitement.

Pas à pas, l’artiste anversois, le peintre s’est laissé inspirer par ce que la figure du Christ a pu voir tout au long de son chemin de croix…

« La descente de la croix », une œuvre gigantesque, 420 cm sur 300 cm, est thématiquement une suite logique. Cette œuvre est toujours dans l’atelier de l’artiste. Sur le plan émotionnel, il témoigne d’une charge intense ; sur le plan pictural, c’est une perle de luminosité.

rafaël GORSEN réunit toutes les qualités souhaitées pour livrer un excellent travail destiné à un espace sacré. Il est à l’écoute, il communique très bien, il a de l’empathie pour les sujets désirés comme aucun autre, il est familier avec les grands formats… ; on ne peut que regretter que les commandes ecclésiastiques se raréfient.

Trop d’artistes se sont éloignés de l’art religieux considéré comme difficile à vendre ; le nombre de fidèles a diminué et diminue à un rythme de plus en plus rapide, ce qui a bien sûr des répercussions sur les fonds disponibles. Devrions-nous en conclure que GORSEN appartienne à la dernière génération d’artistes religieux ?

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Que signifie pour moi une ligne, une couleur, une tonalité légère ? «  Les questions essentielles que tout peintre devrait se poser pour se développer ».

Déjà enfant, rafaël GORSEN, excellait dans la réalisation de dessins au fusain pénétrants ; le dessin était, et est, sa seconde nature. Un talent congénital et un travail acharné font de GORSEN non seulement un artiste doué et polyvalent, mais aussi un véritable dessinateur de haut niveau, et ce depuis des années, des décennies.

Outre la délimitation prononcée d’une zone de couleur, qui reprend souvent la fonction d’une ligne dans l’œuvre de l’artiste peintre anversois actuel, la ligne est, et reste un principe important de sa peinture comme élément de structure.

La conscience et la réflexion redonnent à la ligne, sa gloire d’antan. La ligne a retrouvé sa place et est devenue un fond important de la peinture moderne de rafaël GORSEN .

« A painter pur sang »(H. Hendrickx). La technique de dessin inégalée n’a jamais empêché l’artiste peintre original, d’être un brillant acteur de la couleur. Sa gamme de couleurs varie. Dans certains tableaux, le jaune et l’ocre dominent, dans d’autres, le rouge, la couleur aimée du feu. Il préfère souvent les couleurs primaires. Les couleurs rayonnent de façon éclatante pour le spectateur sans pour autant devenir, agressives, ni un moment s’affadir. L’impression est qu’au fil des années, les couleurs choisies sont devenues plus lumineuses, plus contrastées, peut-être même plus audacieuses.

L’œuvre de GORSEN est ainsi soutenue par une ligne virtuose, une couleur choisie souvent raffinée, un haut niveau de lumière. Avec ces éléments, le langage de rafaël, semble pouvoir dire tout ce qu’il veut et de façon convaincante, avec ses dessins et ses peintures à l’huile modernes. Sans glisser un seul instant dans un processus, la mort artistique certaine, il utilise ce langage d’une manière très personnelle pour que son travail reste toujours reconnaissable.

L’artiste belge n’est jamais moralisateur. Il répond aux questions, surmonte les incertitudes, résout les problèmes, laisse les doutes derrière lui, non pas en expérimentant, mais en créant.

rafaël GORSEN fait redécouvrir les jeux d’ombre et de lumière, si brillamment joués dans le passé par des peintres tels que Rembrandt,  Van Rijn ou Il Caravaggio.

Dans son œuvre de peinture à l’huile « Rigoletto » (1993), son personnage émerge d’un fond rouge brillant ; le contraste de la lumière  est principalement causé par le fond sombre de la tête, des épaules et de l’arrière du corps. Dans son tableau peint : « Man with the Red Hat », la figure centrale est principalement rouge avec des éléments structurels foncés ; le fond devient de plus en plus foncé en bandes presque parallèles.

« L’Aix-la-Chapelle », une peinture strictement figurative rappelle presque par la structure et l’effet de lumière, Rembrandt. La figure se compose de trois éléments structurellement bien distincts : la tête qui suggère une expression étourdie, le cou et les épaules protégés par, ce qui pourrait ressembler à un harnais .Ce tableau d’art figuratif est lisible de maintes manières. Le fond est violet-bleuâtre. Le résultat est un ensemble presque abstrait, composé de zones de couleurs qui laisse augurer, l’évolution vers la peinture d’art abstrait qui le caractérisent aujourd’hui.

Plusieurs compositions florales aux caractéristiques communes datent de 1999. Les fleurs sont rouges avec un cercle bleu en son cœur, les feuilles clairsemées sont vertes. Sur un fond rouge identique, les fleurs se profilent à travers de modestes lignes de structure noire. Dans une composition florale, le vase est également conservé entièrement rouge et délimité uniquement en noir ; dans une autre, il est composé d’un bleu assez large, d’un rouge plus étroit et d’une zone verte encore plus étroite.

« Un Paysage » également de 1999 est remarquable en termes de structure et de couleurs. Le fond se compose d’une bande noire, d’une bande verte et d’une bande rouge foncé, au-dessus de laquelle un ciel rouge. Les troncs d’arbres s’élèvent bleu-noir à partir de la bande verte, déploient leur couronne rouge dans le ciel rouge. Les lignes de structure noires limitent les sommets, les ombres noires donnent du relief à la bande verte.

Avant de conclure, on ne saurait, faire l’impasse, sur les dessins en noir et blanc de l’artiste, qui rayonnent également de  lumière, ce qui n’est inattendu que pour ceux qui n’ont jamais réalisé combien les gravures sur bois de Frans Masereel sont riches en lumière.

Les tableaux d’art figuratifs de l’artiste peintre original, contemporain, anversois, ont été, pour la plupart, vendus aux galeries, et les seuls restés à l’atelier, ont été détruits par GORSEN, lui-même.

Le besoin de détruire, pour créer et trouver, un art plus remarquable en termes de structure, de lumière et d’effet de couleurs plus intensives. Il semblerait, l’avoir touché de son talent dans ses nouvelles séries de peinture abstraite, dans une nouvelle technique de dripping, le DROP FLOW.

La description de l’art figuratif de rafaël GORSEN, a été largement inspirée d’extraits du livre d’art : rafaël GORSEN paru en 2002.

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